27AD - Royal College of Art

ROYAL COLLEGE OF ART - LONDON
Giovani Scultori alla Galleria 27AD

A CURA DI NICOLA SCAGLIONE

ITA: La vita a volte ci mette di fronte a cose non previste, così mi sono trovato ad essere totalmente coinvolto dalle opere di alcuni giovani scultori viste in un pomeriggio a Londra. Non posso giudicare se è la Royal College of Art a selezionare degli ottimi artisti e a farli crescere artisticamente in 2 anni di corso, o se sono gli artisti che scelgono la prestigiosa scuola londinese ad avere già il talento che gli consente di sceglierla come percorso per consolidare quello che già hanno in embrione, ma sicuramente questa esposizione di fine anno 2010 ha dato qualcosa di importante. Dopo averli scelti mi sono chiesto il perché e mi sono dovuto spiegare quale collegamento io davo ai loro lavori per portarli in mostra insieme. Non è stato facile. Il primo pensiero è stato intuitivamente sensoriale. Sono stato coinvolto immediatamente dalla loro differenza tattile intuita.

Nelle sculture di David Buckley, pesanti ed embrionali forme di bronzo sono appoggiate su soffici tappeti di organica e rosea gommapiuma sostenute da sottili strutture metalliche o da trasparenti vetri;

Lucy May, attraverso le sue forme barocche, confessa la violenta impressione dei suoi studi di anatomia realizzando forme con materiali somiglianti alle visceri animali, molli ed elastiche, vicine alla sensibilità di Marc Quinn, realizzando contemporaneamente la vita e la morte, nei colori e nelle forme utilizzate, fiori finti e colori vivaci, artificiali che rappresentano contemporaneamente monumenti funebri e forme biologiche.

Nella sua semplicità Marcus Foster usa materiali d’altro impiego come fondamenta del suo lavoro: bastoncini di lollipop sono il colore che unito alla forma levigata di legno wallnut creano una spagnoletta di fili immaginati per una macchina del tempo che unisce giochi passati e schermi videoludici contemporanei; coloratissimi freesby di plastica, sono le molle per un paradisiaco, cilindrico sgabello di legno .

Estremamente opposte sono le impressionanti opere di Rose Gibbs. I suoi lavori sono incubi transgenici, la sua Mountain una visione di un nuovo girone contemporaneo femminile dell’inferno dantesco, i suoi vasi una lotta continua tra la nascita, la maternità e la morte. I suoi corpi si contorcono nel dolore delle trasformazioni che la vita impone soprattutto alla donna. Una commistione tra il potente femminismo di Louise Bourgeois e le atroci orrendità dei fratelli Chapman sembrano l’archetipo del suo lavoro. La sua montagna è fatta di bronzo bruciato, incenerito, arido e morto, le sue figure di bronzo lucidato sembra riflettano la luce di un rogo.

John Nielsen ci riporta alla sintesi , in un gioco tra estetismo e forza bruta, tra il selvaggio ed il potere. L’utilizzo di materiali differenti ci sorprende guardando “still life with enchyclopedia”, E non possiamo non guardarlo immediatamente perché l’artista volutamente ha creato una quinta con un pannello azzurro squillante dietro al monumentale e selvaggio cinghiale di cemento grezzo. Quasi con civetteria l’animale posa la sua zampa su di un libro appoggiato ad uno scaffale di legno creando lo “still life”. Il contrasto non è solo nei colori e nei materiali, ma anche nell’enciclopedia che cataloga e costringe l’animale selvatico ad essere dominato dall’uomo.
“Ladies and gentlemen it does look different” è uno stendardo che indica la conquista di un territorio, i materiali usati sono un vecchio mobile riciclato che supporta un pesante busto di cemento. La sua opera è insieme potente ed ironica, casuale e progettata.

Il lavoro di Mimi Norrgren è fatto di natura.
E di solitudine. Il suo “Tree è una poesia crepuscolare, sembra la rappresentazione di un villaggio alle origini della società, le piccole case uguali non hanno finestre e sembrano dividere più che unire. Sono ognuna isolata dall’altra. Servono per fornire protezione, rappresentano un po’ la paura. La struttura dell’opera è leggera, i rami dove sono appese le casette di cartone sono fragili. I suoi “shell” sembrano megaliti o pietre arcaiche, ma sono fatte di cenere e sono leggerissime. Il suo “globe” appoggiato su di un’asta è fatto da fasce di ferro arrugginito e si muove con il vento. Sembra il racconto della condizione umana, con la corrosione del tempo e la leggera instabilità del suo movimento.

La scultura ha immediatamente in sé qualcosa di archeologico, di primitivo. Occupa uno spazio, diventa una presenza. Ogni volta che ho chiesto agli artisti di parlarmi delle loro opere mi hanno sempre risposto iniziando a parlarmi dei materiali che hanno usato e dell’influenza che hanno ricevuto mentre li lavoravano. Lo scultore ha una relazione fisica con la sua opera, lui stesso ne viene trasformato. Questa mostra porta qui, alla galleria 27ad, opere di 6 giovani scultori assolutamente diverse tra di loro con l’obiettivo di offrire una interessante panoramica di ricerca sulle diverse realtà espressive contemporanee.

ENG: Sometimes in life we find ourselves in front of unexpected things, this was the case when I found myself totally engrossed in the works of some young sculptors that I saw one afternoon in London. I cannot judge if it is the Royal College of Art that select the best artists and encourage them to grow artistically during a two years course, or if it is the artists that choose the prestigious London school and already have the talent that allows them to choose it as a way to strengthen that which already exists in its embryonic stage, but surely this exhibition at the end of 2010 has given them something of importance. After having chosen them I wondered why I had done so and I had to reflect on and understand why I had connected their work in order to bring this exhibition together. It was not easy. The first thought was intuitively sensory. I was immediately drawn by their difference of tactile intuition.

In David Buckley’s sculptures, heavy and embryonic bronze shapes, rested on soft rugs of organic and rosy foam rubber supported by thin metal structures or by transparent glass.

Lucy May, through her baroque shapes, admits to the violent impression of her studies of anatomy producing shapes with material similar to animal entrails, soft and elastic, close to Marc Quinn’s sensibility, achieving contemporaneously life and death, in the colours and shapes used, the artificial flowers and lively colours, artificial which represent contemporaneously burial monuments and biological forms.

With simplicity Marcus Foster uses materials with other functions as the base for his work: Lollipop sticks are the colour that combined with the polished form of walnut wood create a spool of thread imagined for a time machine that connects old games and video games screens at the same time; brightly coloured plastic Frisbees, are the incentive for a paradisiac, cylindrical wooden stool.

The impressive works of Rose Gibbs are completely opposite. Her works are transgenic nightmares, her Mountain is a vision of a new contemporary feminine circle of Dante’s Hell, and her vases are a continual battle between birth, motherhood and death.
Her bodies contort in pain at the transformation that life imposes above all on women. A blend of the powerful feminism of Louise Bourgeois and the atrocious horrors of the Chapman brothers seem to be the archetype of her work. Her mountain is made of burnt bronze, incinerated, arid and dead, her polished bronze figures seem to reflect the light of a blaze. John Nielsen brings us back to a synthesis, in a game between aestheticism and brute force, between savage and power. The use of different materials surprises us looking at “still life with encyclopedia”,
And we are unable to not look at it immediately because the artist has willingly created a backdrop with a sharp blue panel behind the monumental and wild boar made of rough cement. It is almost with coquetry that the animal places its hoof on a book set on a wooden shelf creating the “still life”.
The contrast is not only in the colours and materials, but also in the encyclopedia that labels and forces the wild animal to be dominated by man. “Ladies and gentlemen it does look different” is a banner that indicates the conquest of a territory; the materials used are an old recycled piece of furniture that supports a heavy cement bust. His work is at the same time powerful and ironic, random and planned.

Mimi Norrgren work is made of nature.
And of solitude.
Her“Tree”is a crepuscular poem, it seems to be the representation of a village at the origins of society, the small identical houses do not have windows and seem to divide more than unite. Each one is isolated from the other. They are needed to provide protection, they somewhat represent fear. The structure of the work is light; the branches on which the little cardboard houses are placed are fragile.
Her“Shells”seems to be megaliths or archaic stones, yet they are made of ash and are very light. Her“Globe”placed on a pole is made of strips of rusty iron which move in the wind. It seems to be the tale of the human condition, with the corrosion of time and the slight instability of its movement.

The structure has at once something archaeological and primitive about itself. It occupies a space, it becomes a presence.
Every time that I have asked the artists to talk to me about their work they have always answered beginning by talking of the materials that they have used and of the influence that they have received during their working. The sculptor has a physical relationship with his work; he himself becomes transformed by it.
This exhibition, at galleria 27ad, brings together the work of six young sculptors all completely different with the objective to offer an interesting panorama of research into their different expressive contemporary reality.


	via Broseta 27 Bergamo, Italia	T: 035.270260 info@27ad.eu

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